FESTIVAL CINEMÍSTICA 2023- RESEÑAS DEL JURADO SOBRE LOS FILMS GALARDONADOS

(QUE FUERON LEÍDAS EN EL ACTO DE CLAUSURA DEL FESTIVAL)

MOON LAKE/ MOON LAKE

Es una obra búlgaro- alemana-francesa. Vemos cómo un chico y una chica, saludan cada mañana al sol naciente en la proa de un petrolero varado y semi hundido en el mar junto a la orilla de una bahía, llamado Moon Lake “Lago de la Luna”. A partir de esa escena inicial asistimos aun ejercicio narrativo cinematográfico absolutamente singular y desconcertante a la vez. De alta calidad artística y técnica. Existe un juego de amor entre dichos personajes, que nos acompañará a lo largo de la película. En ls segunda parte del film, aparece casi sorprendentemente, una segunda pareja de amantes, cuyos destinos correrán en paralelo a los de l apirmera pareja. Con gran maestría de realización, planificación, actuación de los personajes para guiar una distopía de la forma, para llegar al fin del mundo. “This is the of the world”…repite constantemente, que se muestra a través de la inacción, la falta de la producción, el desvanecimiento de la cotidianeidad, la pasividad, y la extinción de cualquier horizonte de acontecimientos previsibles.

La BSO en varias lenguas acompaña a un mundo de jóvenes amantes sin futuro y conscientes de ello. Se desarrolla en un contexto de naturaleza mediterránea que nos evoca los arcanos y arquetipos del clasicismo helénico, transportados al desencanto de nuestro tercer milenio.

LAS RAZONES DEL LOBO

La directora compone un fresco que evoca los últimos 50 años de la historia de su país, Colombia desde un punto de vista muy personal y único, dado su singular situación: hija de un alcalde conservador y de madre intelectual y revolucionaria, investigadora en el campo de la violencia y amenazada de muerte.

Un club privado y lujoso de Medellín, refugio de privilegiados ricos donde creció la cineasta, constituye el hilo conductor. La cámara muestra el lugar y cómo se mantiene en la actualidad, mientras que la autora relata sus recuerdos en voz en off, añadiendo de múltiples imágenes de archivo para recorrer toda la historia de la violencia que permaneció fuera de vista para ella en su momento, pero de la que su madre se convirtió poco a poco en intermediaria.

El compromiso de la joven nace del efecto espejo del amor madre-hija, y va creciendo, expresándose siempre con delicadeza y gran moderación, como todo en el ámbito emocional. El sutil vaivén entre la gran historia y la pequeña, el pasado y el presente, teje una rica narración con varias capas y registros. Mención especial merece la sutileza del diálogo entre la imagen y los comentarios en off, tan sensibles como concisos. Un film necesario, realizado con maestría. Una obra que refleja cual espejos de amor, la relación emocional de la autora, comprometida con el destino de su país y de su entorno afectivo.

AYKUO

Aykut es una obra experimental, donde somos testigos de un drama místico con elementos de la epopeya del norte de Yakut. Esta es una historia sobre dos hermanas, una de las cuales estudia en San Petersburgo, pero regresa a su hogar en una remota aldea Yakut porque su hermana mayor murió. Una vez en casa, se da cuenta de que tal vez no sea posible volver a su vida anterior.

Partiendo de un drama familiar por una muerte y una violación, destaca por sus bellísimos diálogos que son cantados en la lengua local, y el aislamiento de los personajes en una casa rural acordonada por una naturaleza fría y silenciosa.

Destacamos el elogio de la penumbra en toda la primera parte de la obra, donde el autor trabaja en la casi invisibilidad. Los rostros apenas se ven, son casi sombras, están iluminadas. Es un drama con diálogos cantados, es sublime dicho lenguaje, porque son como cancines de la infancia.

Ayaal Adamov es heredero de la escuela del director ruso Aleksander Sokurov, pero aportando su propia originalidad. En el rodaje se evita la definición de la imagen, la lente está difuminada para huir de la definición.

Toda la película rezuma un aire eslavo oriental. Recordamos el film de Sokurov Una vida humilde, así como el film japonés La mujer de la arena de Hiroshi Tesigahara.

Aykut posee muchísima espiritualidad basándose en las formas y en los comportamientos de los personajes, llega a lo metafísico de lo fílmico. Al final hay un sentido de redención con la aparición del espíritu de su hermana, junto con la hija de esta, siendo un momento de estasis del amor por encima del dolor.

VOYAGES EN TÊTES ÉTRANGÈRES

Desde una pequeña alteración de la realidad que se acerca a la ciencia ficción se nos invita a reflexionar sobre el fenómeno de la inmigración. A viajar, como nos dice su título, a cabezas ajenas y, de este modo, conocernos mejor a nosotros mismos. Voyages es una película irreal en donde la ruptura de lo real nos hace ver la forma de la realidad misma, dotándola de mayor realismo. A través de unos seres venidos del espacio nos vemos a nosotros mismos y estos a su vez intentan encontrar su lugar en el cosmos y su propia identidad. La película nos invita a buscarnos a nosotros mismos empatizando con los otros porque de algún modo nuestra esencia está también contenida en los demás, en los otros.

THE BANISHMENT

The Banishment (El destierro) es un crudo retrato sobre el arraigo de los prejuicios y el fanatismo en la tradición de las sociedades. La película nos acongoja y nos indigna a pesar de la belleza de la filmación y la puesta en escena. Finalmente, un brutal desenlace nos pone de manifiesto que para huir de la ignorancia y el sinsentido, en ocasiones, es necesario, lamentablemente, ocultarse, disfrazarse y negarse uno mismo, para así pasar desapercibido y sobrevivir en una sociedad hostil que demoniza lo diferente y persigue lo vital, la vida misma. The Banishment es la historia de un castigo injusto pero también de una liberación, el desprendimiento de los prejuicios que encadenan y limitan a los seres humanos. La película, además de un deleite sensorial es una invitación a reflexionar sobre un tema universal, la tensión entre el individuo y la sociedad.

PIBLOKTO

Anastasia Shubina, Timofey Glinin | USA | 2023 |37’49» | Inglés, ruso | Color |Documental

Piblokto, psicosis exótica o histeria ártica, arrebato de frenesí, patología disociativa atribuida de forma exclusiva a ciertas sociedades de la costa de Chukotka.

Cuando el ser humano habita en climas implacables como los del ártico su naturaleza de gran depredador se muestra con una crudeza e inocencia que deja sin argumentos toda conciencia crítica, haciendo pedazos cualquier idea preconcebida acerca de lo justo o lo misericordioso.

Cuando lo que prima es la mera supervivencia se anulan las diferencias entre vicios y virtudes. En un mundo de potencias desatadas, furioso y, al mismo tiempo, de una pureza perturbadora: la gula, la pereza, la violencia, se ajustan a su razón de ser con una naturalidad pasmosa. Como partes de un todo, inmersos en el ritmo inclemente de los ciclos de creación y destrucción, hombres, mujeres, ancianos y niños se unen a esa masa picada de carne a ese caldo primigenio con el que alimentan a sus perros de presa; pateando, seccionando, desmembrando… Y, como la calma después de la tempestad, un risueño olvido parece suceder a ese lapsus de barbarie, y vuelve a conmovernos la tierna candidez del animal humano.

“Imagina que tu cuerpo se despoja de la carne y de la sangre… imagina que contemplas tu propio esqueleto”. La vida fraternizando con la muerte, jugando, como ese grupo de niños que ejecuta su macabro teatrillo con los cuerpos sin vida de unos cormoranes zarandeados como muñecos rotos, y a los que pretenden arrancar las alas, en un feroz impulso de apropiación del mecanismo del vuelo, de la magia de trascender. Esta escena encarna todo el patetismo y la verdad que contiene la película.

Los directores han sabido mantener la imparcialidad de la cámara frente a la pura belleza y el horror. Nosotros, como espectadores dejamos que las imágenes se nos vengan encima como un baño de realidad; real hasta lo insoportable… Con la conciencia paralizada, hechizada por el ritmo hipnótico de los tambores, nos sentimos participes de esa emergencia de lo salvaje, dejando en suspenso cualquier intento de comentario civilizador.

RUA AURORA –REFUGIO DE TODOS OS MUNDOS

Camilo Cavalcante que ya fue premiado por un largometraje en la edición del año 2016, con producción industrial en el medio rural brasileño, Historia da Eternidade, ahora nos obsequia y estrena en Granada el documental Rua Aurora… ubicado en los bajos fondos de la megápolis de Sao Paolo, una ciudad de más de 12 millones de habitantes.

Una vez más Camilo, manifiesta su predilección e interés por los personajes ilusionados, marginales, con un relato existencial maldito, y a la vez luchadores de la supervivencia en un medio que no los acepta tal y como son. Pero todos ellos encuentran en Rua Aurora un espacio tiempo a menudo nocturno, en el que ser como realmente son: transexuales, homosexuales, ex delincuentes. Transmiten con sus largos monólogos a los espectadores, una pureza existencial, una capacidad autocrítica, una humildad de carácter no desprovista de convicciones sobre la necesaria diversidad del género humano. Hombres, mujeres, inter sexos, antiguas actrices porno, cineastas, cabareteros y vagabundos de Rua Aurora constituyen una finalidad mágica de destino y un refugio para los que (son de otra manera). La cámara penetra en la intimidad absoluta de los personajes que aceptan con sorprendente naturalidad explicar sus vidas, sus fracasos y sus esperanzas.

Destaca la capacidad de explicar en todos los entrevistados sus vidas, con una coherencia narrativa prolongada, acompañado de un verbo muy lúcido.

La fotografía y el trabajo de color recuerdan la textura del celuloide y el formato 1:33 de la obra nos parece un homenaje adicional al movimiento cinematográfico de los años 80 que surgió de dicho barrio de Sao Paulo.

Por el contrario, en la actualidad la globalización y la droga ahora está invadiendo el espacio de estos personajes que quedarán mermados y perpetuados en la memoria de esta obra fílmica.

MOTUS

Escuchamos el traqueteo de un proyector y nos sumergimos en la penumbra de su luz parpadeante. Sensaciones que nos retrotraen a los orígenes del cine, a esa ineludible fisicidad de su cacharrería que lo digital se empeña en esquivar. A su condición de mecanismo “autómata” es decir: agente de su propio movimiento. Autonomía que ya se señala desde el propio título: Motus:aquelloque obedece a su propia iniciativa.

Escribe Leonardo que basta lanzar una esponja, teñida de colores, contra un muro, para dejar en él una mancha donde es posible entrever todo aquello que uno quiera buscar en ella; paisajes, figuras humanas, animales diversos, batallas, escollos, mares, nubes… Hemos sabido que esas manchas que aparecen en pantalla como palpitantes fosfenos, son el resultado de la acción corrosiva del etanol sobre una chapa metálica. El azar de estas manchas es sutilmente guiado por la voluntad del autor para insinuar geometrías, rostros, paisajes. Como en un improvisado test de Rorschach, nuestra imaginación proyecta sus propios fantasmas personales y llena de sentido aquello que en principio parece surgir del puro devenir de la materia. Estas incipientes concreciones son reforzadas por ruidos crepitantes que indistintamente evocan hogueras, lluvias intensas o glosolalias incomprensibles: “como el sonido de las campanas —sigue diciendo Leonardo— en el que uno podría entender cualquier cosa imaginada”.

Abstracción y figuración sin solución de continuidad. Génesis y Apocalipsis. Imágenes que sugieren las aguas primordiales de un océano cósmico del que emerge una figura llameante, articulando una suerte de danza de Shiva, en su ciclo de creación y destrucción, disolviéndose en partículas donde lo macroscópico y lo microscópico se confunden en análogas metamorfosis. Viaje de lo inorgánico a lo orgánico, del caos al orden, del principio al final; a un final que es como el clic del interruptor implacable que apaga el mundo.

CHILDREN OF TERMINAL

Andrew Stevenson | UK | 2017 |26’45» | Español | Color |Documental

Los niños de la terminal es un documental con una fuerte carga de verdad que nos introduce en la difícil realidad de personas que viven en una terminal de autobuses de Guatemala. A través de la mirada de los niños que con sus cámaras fotográficas van retratando aquello que más les gusta, nos adentramos en una dura realidad que hace que sobrevivir y mucho más, vivir, sea un reto diario. Aún así, frente a la hostilidad que se respira en este microcosmos, sus protagonistas nos estremecen y enternecen con su perpetua sonrisa que evidencia una increíble afirmación de la vida, unas ganas incontenibles de vivir. En la mirada de los niños y jóvenes vemos la esperanza en el futuro, el deseo de superación y dignificación desde una apabullante sencillez a veces olvidada y denostada en otras latitudes. Children of terminal nos recuerda que no vivimos en el mejor de los mundos posibles pero se pueden encontrar las grandes personas y aún hay cabida para la esperanza.

KROSNJA COPA DEL ÁRBOL

Un cementerio en lo alto de una colina rinde homenaje a los serbios occidentales. Las estelas esculpidas en las lápidas representan a los difuntos de forma estilizada, claramente individualizada, sorprendentemente expresiva, casi animada, a veces acompañados de atributos que los identifican aún más. Sus ojos parecen mirarnos para la eternidad. Los epitafios expresan pensamientos fuertes, profundos, a veces filosóficos. La gran sencillez, en el sentido más noble de la palabra, constituye la fuerza de los elementos que componen el lugar, desprovisto de seres humanos encarnados pero fuertemente animado por la flora, la fauna y los elementos, muy presentes en la banda sonora. Pero, como para recordarnos que sólo la impermanencia es permanente, estas piedras conmemorativas de arenisca comienzan a sus vez a desmoronarse lentamente, entrando así a su vez en el gran ciclo de la vida y de la muerte. Un magnífico homenaje audiovisual a los escultores y poetas populares que, a su vez, rindieron tributo a sus contemporáneos con su arte particularmente cautivador.

RAZONES DE LO ÍNTIMO

3’43» | Sin diálog. | Color + ByN |Ensayo

Veo un tríptico; telones que se abren y cierran sobre lo maravilloso, en el lapsus de un parpadeo: 3’43». En cine nos referimos a “largos” y “cortos” atribuyendo un mismo patrón de tiempo cuantificable, homologando duraciones. Pero hay vivencias no lineales del tiempo o al menos dimensiones de lo vivido para las que los cronómetros no sirven. Existe una conciencia del instante eterno que a veces el cine logra transmitir. Imágenes cinematográficas de una narrativa no lineal en las que la complejidad no depende de un desarrollo en el tiempo sino del infinito pormenor de la geografía contenida en cada fotograma, geografía en la que la mirada en ocasiones anhela perderse.

Esta suspensión del tiempo en la imagen deja entrever también un proceso que incumbe a nuestra percepción de lo real, una especie de pauta esencial que solo a través de una contemplación sostenida es posible vislumbrar. Aquello que está siempre presente pero que difícilmente alcanzamos a señalar, aun siendo la fuente misma de la verdad, la belleza y el bien.

Las obras de Mar Garrido, de dimensiones mínimas, contienen sabores y saberes perdurables, nos regalan momentos para volver a mirar lo que desapercibimos. Imágenes de una pregnancia irresistible para el ojo y la mente que saturan nuestras neuronas de textura y color. Todo lo visible concentrado en un punto; un entero universo en lo inmediato: Razones de lo íntimo.

Granada, 26 de noviembre de 2023,

día de San Silvestre